Al giorno d’oggi parlare di generi musicali o di linguaggi codificati può avere senso fino a un certo punto. Esistono infatti degli artisti che hanno superato questo concetto scavalcando gli ostacoli e abbattendo quei recinti che spesso rinchiudono le idee in gabbie preconfezionate. Tra questi c’è senza dubbio Veronica Swift, voce poliedrica e versatile che partendo da una matrice jazz si è evoluta dando vita a uno stile personale, difficile da inquadrare, anche per gli addetti ai lavori. Nata in un ambiente dove la musica era di casa, ha fatto il suo percorso fino a diventare una delle voci più brillanti del panorama musicale odierno, portando in scena degli spettacoli, che diventano delle vere e proprie narrazioni, e un concetto di libertà espressiva, che per molti artisti rimane ancora sconosciuto. La prossima data italiana sarà, dunque, il 9 agosto all’Eddie Lang Jazz Festival 2026 dove presenterà in anteprima il nuovo disco Home. Ne parliamo a tu per tu con Veronica Swift.

Salve Veronica e benvenuta su Jazz Agenda, l’Eddie Lang Jazz Festival celebra il noto chitarrista nato in Molise. Innanzitutto, che tipo di spettacolo porterai sul palco e cosa può aspettarsi il pubblico?

Lo spettacolo di quest’anno è interamente dedicato alla musica inedita che sarà presente nel mio prossimo album dal titolo ‘Home’, che esplora le molteplici sfumature di significato che questa parola racchiude nei nostri cuori: da dove veniamo, dove siamo in questo momento e dove vorremmo essere un giorno. La casa può essere un luogo, un sentimento o una persona da cui torniamo o anche da cui fuggiamo. Spero che il pubblico, dopo aver assistito al nostro spettacolo, si senta connesso alle proprie radici e un po’ più in pace con sé stesso!

Qual è il tuo rapporto con il pubblico italiano e quali sono i ricordi più belli dei tuoi precedenti concerti in Italia?

Alcuni potrebbero pensare che io ascolti principalmente musica Jazz o rock, ma in realtà l’opera italiana occupa il primo posto nella mia lista! Puccini, Verdi, Donizetti, Rossini e Bellini ma anche alcuni cantautori pop della metà del XX° secolo, come Mina, Adriano Celentano e Luigi Tenco, sono entrati a far parte del mio ascolto quotidiano. Uno dei miei ricordi più cari è stato quando ho cantato “Mi Sono Innamorato di Te” di Tenco davanti al pubblico dell’Umbria Jazz nel 2019! Inoltre, nell’estate del 2020, quando eravamo tutti isolati e distanti, ho avuto la rara opportunità di esibirmi con un’orchestra completa e un maxi schermo al Giardino di Boboli, dove ho potuto coreografare un numero di tip tap e cantare arrangiamenti in vero stile vecchia Hollywood. È stata un’esperienza magica, un viaggio nel tempo in un contesto storico e meraviglioso. Ho anche avuto 10 amori italiani nella mia vita, incluso il mio compagno Brian Viglione (1/2) che mi accompagnerà alla batteria in questo concerto!

Nei tuoi spettacoli dal vivo abbiamo notato una forte attenzione allo spettacolo in sé, come se ci fosse un aspetto teatrale che si fonde chiaramente con la musica. Questo aspetto è molto importante nelle tue performance? Puoi anche dirci come ti prepari?

Sì, la storia è l’aspetto più importante del mio spettacolo. Certo, sono una cantante, ma preferisco considerarmi una narratrice e uso il canto come mezzo per farlo. Per me, ogni scelta che faccio, dal repertorio agli arrangiamenti e al fraseggio, dai costumi alle luci, è al servizio di una storia o di una narrazione. Non mi viene naturale scegliere le canzoni a caso e metterle insieme in modo casuale; ho bisogno di seguire un tema e un filo conduttore affinché l’energia abbia una direzione precisa. Proprio come in un libro, ci sono l’introduzione, l’esposizione, il conflitto, l’azione ascendente, il climax, l’azione discendente, la risoluzione e l’epilogo. Voglio sempre accompagnare il mio pubblico in un viaggio con me! Per prepararmi, ascolto tutte le versioni delle canzoni che seleziono, così da essere pienamente informata quando prendo decisioni sulle mie interpretazioni. A volte, leggo semplicemente un testo a me stessa senza musica, per lasciare che le mie orecchie sovrappongano eventuali elementi musicali diversi da ogni altra versione della canzone (che si tratti di un ritmo, di una riarmonizzazione o di una strumentazione).

Il tuo ultimo album omonimo (Veronica Swift) mescola diversi generi musicali. Pensi che il concetto di genere sia superato?

Non posso esprimermi su cosa sia o non sia obsoleto, non è questo il mio obiettivo, ma ciò che ho notato con l’avvento dello streaming e di YouTube (in particolare tra le persone della mia età e più giovani) è che, avendo a disposizione ogni canzone di ogni epoca, noi artisti siamo ispirati da tutto contemporaneamente, il che porta a una gamma più ampia e a uno spettro di influenze molto più diversificato. Se da un lato questo rende più difficile il lavoro a chi si occupa di marketing, dall’altro contribuisce a creare un repertorio artistico più unico e interessante. Personalmente, preferisco ascoltare e apprezzare opere d’arte che osano e cercano di raggiungere qualcosa, anche se non è necessariamente ciò che sceglierei io stesso in base ai miei gusti. Mi piace la musica che ha un senso, una bella storia e un messaggio forte. Molte persone della mia età la pensano così e sono onorata di vedere come il mio approccio “TransGenre” abbia ispirato un’intera nuova generazione di giovani artisti ad adottare lo stesso approccio con la propria musica, ognuno a modo suo!

Quali sono quindi le tue radici musicali e quanto è importante abbracciare la tradizione e allo stesso tempo trascenderla per trovare un tuo linguaggio artistico personale?

Le mie radici (perché i miei genitori erano musicisti jazz in tournée) sono nello straight-ahead e nel bebop. Mio padre suonava nelle band di Chet Baker, Art Farmer, Charles Mingus e Oscar Pettiford. Mia madre cantava nel quartetto vocale di Jon Hendricks negli anni ’80. Questa è stata la cultura e il linguaggio che ho conosciuto fin da piccolissima. Abbracciare e rimanere connessa a quelle radici è ciò che mi ha dato il mio suono unico e la mia arte con la mia rock band originale DAME. Avere una solida tecnica e un’arte rock and roll apporta qualcosa di unico alla mia musica jazz. Tuttavia quando si cresce e si entra nell’età adulta, bisogna lasciare il nido e trovare la propria identità separatamente dai genitori. È qualcosa che avrei voluto fare prima ma non ne avevo il coraggio! Inoltre, stavo affrontando le ferite causate dalla perdita della mia d’infanzia in un incendio e quella di mio padre a causa del cancro. Unendo i due mondi e permettendo loro di esistere nel proprio spazio ho trovato la mia completezza. Nessuno dei miei eroi ha mai lasciato il segno rimanendo ancorato alla tradizione! E tra questi ci sono Duke Ellington, Nina Simone, Freddie Mercury, Thelonious Monk, Miles Davis…

Se dovessimo tracciare un parallelo tra il tuo ultimo album, il periodo in cui hai debuttato come cantante e, soprattutto, come musicista, come sono cambiati il ​​tuo linguaggio e il tuo approccio alla musica?

Il mio approccio alla musica non è cambiato molto; piuttosto è cambiato il mio modo di vedere me stessa! Sono cresciuta nella bolla del mondo del jazz e avevo un’idea di come si sarebbe svolta la mia vita. Durante il periodo in cui registravo il mio primo album con un’etichetta discografica, mi vedevo solo come una cosa, quella che mi era stato detto di essere per tanti anni della mia giovinezza, come se fossi costretta a portare la fiaccola di un genere legato a un’epoca passata, e ho accettato questo ruolo. Man mano che ho iniziato ad affrontare cambiamenti nella gestione, imparando anche a stabilire limiti più chiari per me stessa, e a capire cosa voglio rispetto a ciò di cui ho bisogno, ho acquisito fiducia nelle mie capacità e ho imparato a fidarmi di più del mio istinto! È ASSOLUTAMENTE fondamentale che un artista sia veramente libero di creare alle proprie condizioni e grazie all’incontro con il mio compagno e collaboratore musicale Brian, ho acquisito la fiducia necessaria per seguirle fino alla fine!

Sei nata in una famiglia in cui la musica era una presenza costante, dato che tuo padre e tua madre erano musicisti. Quanto ha influenzato questo la tua musica e quali sono stati i principali insegnamenti che hai tratto da loro?

Si potrebbe pensare che i miei genitori, essendo musicisti professionisti, mi abbiano “insegnato” qualcosa o spinto a seguire le loro orme. Tuttavia anche se non mi hanno mai fatto pressioni in nessuna direzione ho assorbito tutto per osmosi e osservazione. I tanti, tantissimi anni passati in tournée con loro, ascoltando, osservando come si preparavano e mettevano in scena gli spettacoli, osservando la routine e il processo delle sessioni di registrazione, del soundcheck, delle prove, della composizione degli arrangiamenti. Gli aspetti meno appariscenti del nostro lavoro, ma estremamente importanti, e le competenze che ho sviluppato sono le cose per cui sono più grata legate al fatto di essere cresciuta in questo modo. La raffinatezza musicale del bebop e gli arrangiamenti dei miei genitori hanno sicuramente influenzato i miei arrangiamenti/composizioni e rappresentano un elemento unico della mia musica che porto nella mia rock band DAME. Non molte rock band contemporanee hanno un background bebop.

Puoi raccontarci le tue prime esperienze con la musica e con lo studio del canto? Cosa ti ha spinto a liberarti dalle etichette e a cercare un approccio più eclettico?

La mia primissima esperienza con la musica, per quanto mi ricordi, è legata al fatto che ogni sera, prima di andare a letto, mia madre metteva su un CD di compilation di Bach. Iniziava con il concerto per clavicembalo in re minore, ma era l’ultima cosa che mi faceva addormentare. Ero così coinvolta e immersa in quello che stavo ascoltando, che iniziai a concentrarmi sulla struttura armonica, sulla forma e sulle conduzioni delle voci e iniziai a memorizzare tutti quei pezzi. All’inizio cantavo prima le linee melodiche, poi cercavo di individuare le parti di tutti gli altri strumenti e notavo come la musica barocca si intrecciava con le tonalità principali. Poi ho cominciato a imparare le fughe e i preludi al pianoforte, a esercitarmi a cantare e registrare ogni parte/linea finché sono riuscita a dar vita a un intero coro di me stessa che cantava Bach; ottimi esercizi di intonazione. In seguito, ho iniziato ad applicare questo allenamento dell’orecchio al mio canto sulle note dei Beach Boys e dei Beatles, armonizzando con tutte le loro canzoni, cercando di trovare e identificare le note che potevano dare un po’ più corpo agli accordi triadici. Ecco perché, quando ho scoperto i Queen, me ne sono innamorata follemente e ho pensato: “Finalmente una band che riesce a creare un suono coeso, a cui voglio ispirarmi per la mia musica!”. Sono sempre stata attratta dalle band e dagli artisti che facevano questo: creavano un suono proprio, sia all’interno che all’esterno di un genere. Ho sempre sperimentato fin dalle superiori, trovando diversi modi per esprimermi. Tuttavia ho iniziato a registrare e pubblicare le mie idee migliori solo con l’album del 2023, quindi non era una novità per me, ma lo era per il mio pubblico, dato che non conosceva questa parte fondamentale di me. Voglio condividere l’essenza più profonda della mia anima con il mio pubblico.

Infine, ci sono nuovi progetti a cui stai lavorando? Se sì, puoi anticiparci qualcosa sui prossimi album o tour?

Oltre al nuovo album jazz “Home” che uscirà nella primavera del 2027, ho recentemente lanciato il mio progetto rock originale DAME con Brian, in cui portiamo il pubblico in una sorta di viaggio nel tempo e mettiamo in luce le storie di grandi donne della storia. Donne come Giovanna d’Arco, Olympe de Gouges, Josephine Baker, Edith Cavell e le giullarie di corte. Questo progetto è in cantiere da 5 anni ed è nato dalla mia nomina a cavaliere francese. L’album di debutto di DAME verrà pubblicato attraverso una serie di singoli nel corso del 2027 e non vedo l’ora di presentare la produzione teatrale.